アナログレコード_デジタル化講釈日記

THE BIRTHDAY EVE 〜誕生前夜〜__LOUDNESS

　Youtubeは色々なビジネスに活用されているが、最近は無名の若手ジャズギタリストがレッスンの生徒を集めるために利用して成功する例が増えている。本Blogでお馴染みの平塚近傍在住のジャズギタリストも、これらの成功事例に大いに触発されてしまった。

　彼は若手とは言えないが、一応はちゃんとしたレッスンDVD（アマゾンでも購入できる）も出しているギタリストであり、それなりの実績はある。「YouTubeでバカ当たりすれば、無名の若手ギタリストでもレッスン生徒が殺到するんだから、自分だってやり方次第ではウハウハのはずだ！！」・・と彼が思うのも無理もないところであろう。

　世の中はそれほど甘くは無いだろうけれど、何事もチャンレンジすることは重要だ。そこで、少なくとも彼よりはコンピュータの世界に詳しい私が動画編集等も含めて協力する事となった。

　早速にコンテンツとなるレッスン紹介動画の制作を開始したのが昨年末。そして、動画が完成したのが今週である。動画制作（15分×3本）に実に9ヶ月を要した。動画完成に時間がかかった原因は動画内容についてなかなか意見がまとまらなかった事が大きい（それ以外にも沢山原因はある）。

　プロの視点とアマチュアの視点は食い違うものだ・・・というのが良くわかった。彼は相当にアマチュア寄りの発想でレッスンをおこなっていると思うが、その彼でも私のようなアマチュアにとっては「何で、そっちの話になるの？さっきの話とどう関係あるの？」的なワープ発想が出てくるのだ。ジャズギタリストっていうのは本当に職人なんだなあ・・・と痛感した。

　ともかく、プロ視点とアマチュア視点のせめぎ合いを通して、まあまあ面白いレッスン動画にはなったと思う。後はYoutubeにアップロードして、視聴者を一人でも多く集めることが重要となるが、これがまた大きな課題なのだ。

　さて、今回紹介するアルバムはジャズギターとは全く無関係な、ジャパニーズ・メタルの雄ラウドネスのデビューアルバム。メタルは新しい音楽なので、アナログレコードは少ない。

　とにかく、今一番演奏してみたいジャンルはメタルだ。その意味でも、久しぶりに聴いた高崎晃氏のギター演奏には実に触発されたのだ。

Ed Bickert__Ed Bickert Trio

　過日、本Blogで度々登場する平塚市近傍在住のジャズ・ギタリストが主催する合同ジャズギター・レッスンに参加した。レッスン内容はなかなか興味深かったのだが、個人的に少々驚いたのはフル・アコギターを持参したのは私一人だった・・・ということだ。更に驚いたのは参加した5人のうち3人がフェンダー　テレキャスターモデルのギターだったことだ。うーむ。

　以前から、テレキャスターモデルのギターには違和感があり、所有者の方には大変申し訳ないが「変なギターだなあ」ということで、これまでの人生で全く関わってこなかったギターだ。もちろん、フェンダー社製テレキャスターはエポックメイキングなギターであり、数々の名曲に彩りを加えた名器であることは間違いないが、デザインが強烈に好みではないし、えらく弾きにくそうなのだ（当然モノによるのだが）。こればかりはどうすることもできん。

　・・・というテレキャスターだが、ジャズ・ギターレッスン会にいきなり持参率60％の現実を見せつけられるとやはり驚きだ。「君達さ、どうしてさ、テレキャスターなんかでスタンダード・ジャズやってんの？」と無遠慮に質問しても良かったのだが、何せその日に初めて会った連中であり、それは少々憚られたのである。

　どうしても納得ができんかったので、後日平塚近傍在住ジャズ・ギタリストに「一体、どういうことなのか？」と問うたところ、「・・・そーいや、そーすね。なんでだろ？」みたいな心許ない事を言うのである。

　ますます納得が得られない状況なので、「テレキャスターでスタンダード・ジャズをやってるプロがいるんかいな？」と調べたところ、まあそれなりに存在することがわかった。

　今回紹介するエド・ビーカットは頑なにテレキャスターを愛用するカナダ人ジャズギタリストであるらしい。フレーズとともかく、音色はやはり独特なものがある・・・と感じる。ある意味新鮮だ。

　テレキャスターは歴史の古いギターであり、きっと「子供の頃、オヤジにもらったのでそのまま使っている」みたいな消極的な理由で彼らは愛用しているのだろう・・・と希望的に推測する。私は全く使いたいとは思わない。

　

The Yes Album__YES

　しばらく投稿が滞っていたが、理由は特に無い。考えてみると、何やかやと色々と忙しかったように思う。この年でまともな仕事もしていないのに「忙しかった・・・」と言うのも少々気が引けるが、現在の私の人生基準から考えると忙しかったのである。

　忙しさの要因としてまず考えられるのは引っ越しである。

　古くからの読者の皆さんの呆れ顔が容易に思い浮かぶ。今回で結婚してから9回目の引っ越しとなる。平塚市→平塚市の移動だったので、それほど金はかからなかったが、やはり引っ越しは色々と大変なのだ。さすがに、しばらくは引っ越しはしたくない。

　次に考えられる要因は、お馴染みの「音楽活動」だ。参加しているそれぞれのバンドの活動がそれなりに形になるにつれ、ちゃんと練習しなければならない状況に追い込まれているからだ。追い込まれている・・・というと表現は少々穏当ではないような気がするので言い換えると、要は楽器演奏の練習時間が相当に必要になっているということである。

　特に、以前から紹介しているオールマン・ブラザーズ・バンドのトリビュートバンドのレパートリー曲が10曲超になるにつれて、バンド全体の演奏クオリティが向上しており、私だけが気分で適当に弾く・・・みたいな対応ができなくなっているのだ。難曲の一つ「Hot Lanta」という曲では、ベースラインの完全譜を入手し、それを忠実にコピーする・・・という人生で初めての試みに取り組んでいる。正直、結構きつい。なかなか苦戦しているのだ。

　同時に少々厄介な演奏方法にチャレンジしているのも苦戦のもう一つの大きな要因となっている。「厄介な演奏方法」というのは、ベースをギターピックで弾く奏法である。これまでは全て指で弾いていたので、弦のピッキングがかなり違うのだ。

　ベースは指弾きとピック弾きでは出てくる音のニュアンスがかなり違う。最近は指弾きのベーシストが圧倒的に多いが、ロック・・特に70年代のロック演奏においては、ピック弾きじゃないと「雰囲気が出せん・・」というのは確かにある。オールマン・ブラザーズ・バンドのサウンドはその最たるものだろう。

　一方で、現在のベースサウンドが指弾きのベースによるものが多いのは若者の音楽が多様化した事が大きい理由だろう。つまり、多様化によりベースには色々な音質のベースラインを求められるからだ。・・・というか、最近の音楽はコンピュータによるベース音源の場合も非常に多いので、指弾きだ、ピック弾きだ、・・・なんてへったくれもないのである。しかし、ライブでは何とか人間が演奏する事が多いので、必然的に指弾きになってしまわざるを得ないのだ。ピック弾きのベースサウンドはロック以外のサウンドには少々相性が良くない。

　ところが、我々世代のオッサン素人バンドのテーマは「70年代ロック」が主流である。70年代はロックがポピュラー音楽を席捲し、牽引していた時代だ。ロックには「ピック弾き」の特徴が実にマッチするのだ。・・・という事で一生懸命ピック弾きをやっているのだが、これが色々と大変なのだ。それについては、また次回。

　さて今回紹介するアルバムは、イエスのサードアルバム。ピック弾きベースの超大御所であるクリス・スクワイアーのベースがかなりイエスらしさを発揮し始めた一枚である。じっくり聴いたが、何だか良くわからない内容ですね。まあ、イエスサウンドは次のアルバムで開花するので過渡的なサウンドだとは思うが、それにしてもクリスのベースは凄い。この人は本当に凄い。

　

　

The Allman Brothers Band__The Allman Brothers Band

　本日は関東地方は降雪らしいが、そんな日に限ってこれから横浜でバンド練習がある。本日は「オールマン・ブラザーズ・バンド」のコピーバンドの練習である。以前に当該バンドの結成に言及したが、バンド始動まで3ヶ月、オリジナルと同じフルメンバー（Eギター×2、ドラムス×2、キーボード、Eベース　計6人）になるまでに実に9ヶ月を要した。未だにフルメンバーでの練習はスケジュール調整が難しい。

　紆余曲折ありながら、まあまあ真面目に1回/月程度の練習をキープし、昨年12月にめでたく人前で演奏するところまでこぎ着けたのである。ただし、残念ながらその時はEギター×1、ドラムス×1の4人構成だった。社会人バンドの課題はとにかくメンバーのスケジュール調整に尽きる。演奏なんてなんとでもなるのだ。

　・・・で、ともかく昨年12月に東京都内のライブ酒場での企画ライブのトップバッターとして演奏をしたのである。メンバー不足、練習不足がたたって、フレーズ間違えまくるわ、約束事は忘却の彼方に飛んじゃうわ、各自がヤケクソでアドリブ弾きまくるわ・・で、サウンドのクオリティ・・・としてはいかがなものか？という体たらくではあったが、対バン・バンドのメンバーを含めた聴衆連中は少々度肝を抜かれた様相であった。なにせ、12分とかの曲をハチャメチャにやっちゃうのである。

　自慢するわけではないが、我々のバンドのメンバーはそれなりに腕利き揃いであり、いわゆる即興的な演奏は楽勝でやってしまう。つまり、ミスがミスのようにならず、ミスっても「何だか格好良いなあ・・・」的に聴かせてしまう事ができるのだ。これは、オールマン・ブラザーズ・バンドの楽曲の良い点だろう。だから、演奏でミスってヤケクソ的に弾きまくるモードになりやすい。

　当日の演奏会において、我々の次の次のバンドは70年代ロックの名曲をカチッとした演奏で聴かせてくれた。非常にお上手だったが、カチッとし過ぎて緊張感は余りなかったなあ・・・。彼らも多分それがわかっているようで、MCで場をつなぐ・・・という事に注力していた感がある。多分、我々が緊張感出まくりの奇怪で危うい演奏を最初にやっちゃったのでやりにくかったのだろうと推測する。

　ともかく、オールマンブラザーズバンドの楽曲は、我々世代の楽器演奏愛好家には実に楽しい。今回紹介する彼らのデビューアルバム「The Allman Brothers Band」を改めて聴くと、プリズムの和田師匠がアマチュアの時にレパートリーにしていた理由が良くわかるのだ（当時は全く理由がわからんかったけど・・・）。

　

Queen__Queen

　このところ、色々とエキサイティングなイベントが多かった。時系列に主なものを列記すると下記となる。

1．湘南ベルマーレがルバン杯に初優勝する　⇒　埼玉スタジアム2002での決勝戦で精根尽きる

2．胃カメラ検査を受診する　⇒　前回同様に10秒で意識を失う

3．愛用のエプソン社製PCが突然ぶっ壊れる　⇒　リプレースに伴う環境移行で一週間を無駄にする

4．ゴーン氏が逮捕される

5．誕生日を迎える

6．年金受領申請書を受諾される

7．湘南ベルマーレが全然勝てなくなる　⇒　体調不良となる

8．湘南ベルマーレが薄氷を踏むような状況でJ1残留を決める　⇒　精根尽きる

・・・とまあ、ざっとこんな感じだ。少々疲れた。そのような中で、久しぶりに映画館で映画『ボヘミアン・ラブソディ』を鑑賞した。この映画、巷では大変な話題になっているらしく、評価も概ね良好のようだ。

　クイーンは私にとっては鬼門バンドだ。”ロック命”の青春を歩んでいた時期に活躍したブリティッシュ・ロック・バンドの雄だが、正直ほとんど聴いたことがない。これほどの偉大なバンドを「聴いたことがない」なんて言うと、またまたロック野郎の風上にも置けん・・・とか言われそうだが、本当なのだからしょうがない。

　当時の事を思い出してみると、私にとっては『クイーン＝チャラい＝ネーチャン御用達』みたいな偏見があったように思われる。ともかく、何だかわからんが聴く気がしなかったわけだ。

　これまで、たまに「クイーンねえ・・・」とは思い出しながら人生を過ごしていたわけだが、ある日突然にボヘミアン・ラブソディの公開宣伝動画に出会ってしまったのである。正直、「ガビーン！！！」となりまして、「・・・これは、絶対に見に行かねばなるまい」と勝手に盛り上がって、ロードショー初日に平塚オリンピックの映画館に行ったのだ。

　映画の内容であるが、残念ながら「ガビーン」とはならなかった。フレディ・マーキュリーにメインのスポットライトが当たっていて、個人的には少々きつかったですね。あっちの世界はよーわからん。

　・・・ということで、映画「ボヘミアン・ラブソディ」では完全に無視された感のある、クイーンのデビューアルバム「Queen（戦慄の王女）」を生まれて初めて聴いてみたのである。

　ネットに掲載されている各種情報によると、このデビューアルバムは英国では一般的な評論家から酷評されていたのだそうだ。曰く、『Deep Purple,Zepplineの亜流』、『小難しい』等々。『こんなのが売れたら、パンツ一丁で踊ってやるわ！！』的な事を言った評論家もいたとか・・・。

　本国では低評価だったようだが、実は米国では評価はそれなりに高かったらしい。やっぱり、アメリカは本質をしっかりと見極められる素晴らしい国だなあ・・・と感心した次第。個人的には良いアルバムだと思う。少なくとも、ローリング・ストーンズやセックス・ピストルズとは比較にならない程に良い。

マイ・ラグジェアリー・ナイト__しばたはつみ

　J2への降格可能性が未だに残る我が湘南ベルマーレだが、今週土曜日にルヴァン杯の決勝でマリノスと戦う事になっている。久しぶりの檜舞台だ。2000年のJ2降格直後の惨憺たるチーム状態を考えると、隔世の感がある。決戦場所は埼玉スタジアム2002。行った事がないのでスタジアムに到着するまでの苦労が想像つかない。ともかく、リーグ戦、天皇杯とならぶ価値のある戦いであり、優勝すると更に1億円の賞金が上乗せされる訳だから我々も必死である。

　・・・という事で、今度の土曜日は万全の体調で迎えよう・・・と思っていたら、昨日の「大腸検査」ですっかり調子が狂ってしまった。

　一昨日の夜から下剤を服用し、さらに検査当日の朝から2リットル弱の腸洗浄剤を飲み、人間ビールサーバのような肛門耐久試験を経た上で、這々の体で大腸検査を受けた訳である。私が過去に受診した「腎生検」と比べると、極めて一般的な検査なので詳細は割愛するが、はっきり言って「もう二度と受診したくない」類いの検査だ。

　ネット等で情報を探ると、この検査は評判が悪い。「ウンコを出し切る苦しさ」と「肛門からファイバースコープを挿入される苦しさ」があるからだ。特に後者は、個人差が非常に大きいようだ。受診者自身の腸の構造と医師の技能が複雑に交錯するらしい。

　ちなみに、私の肛門にファイバースコープを挿入してくれた医師も、当然だが自分自身が大腸検査を受診することがあるだろう。その場合は、どうやってやるのかな？他の医者に受診料払うくらいなら自分でやる・・・みたいな事なのだろうか？でも、自分自身の肛門からファイバースコープを挿入して、炭酸ガスを封入して、あげくの果てにポリープ切除をする・・・という有様は、本日の検査方法からはイメージできない。非常に奇怪な体勢になるような気がする。まあ、なじみの同業医師に依頼するんだろうなあ・・・。

・・・と馬鹿な事しか頭に浮かばない本日紹介するのは、故しばたはつみさんの1977年のヒット曲「マイ・ラグジェアリー・ナイト」。

　実はこのアルバムのタイトル曲の「マイ・ラグジェアリー・ナイト」を、ゲスト参加するクリスマスライブで演奏する事になったのだ。この曲は自動車のCMとしてTVで頻繁に流されていた時期があったのでよく覚えているのだが、今回改めてコード譜を見て少々吐きそうになった。しかも、バラードなのでリズムも取りにくい。案の定、先般実施した練習ではボロボロになった。

　実に難曲である。しかし、稀代のメロディーメーカである来生たかお氏の作曲であり、実にゴージャスで素晴らしい曲だ。きっと、ライブの聴衆は我々に賛辞を惜しまない事だろう（・・と思う）。

　

Have You Never Been Mellow__Olivia Newton-John

　湘南ベルマーレが勝てないのと、無慈悲な酷暑で何が何だかわからない。

　そういう時は、美女の歌声を聴くのが一番である。そこで今回は私の大好きなオリビア・ニュートン・ジョンお姉さまの大ヒットアルバムについて講釈と垂れたい。

　・・・と言っても、精神状態が怪しいので余り語る事は無い。

　アルバム・タイトル曲である「そよ風の誘惑」は全米No1にもなった1975年の超大ヒット曲だが、実に素晴らしい。私より8歳も年上なのに、未だに美貌が衰えないオリビア姉さんのシュガーボイスが耳に心地良い。

　姉さんは母方の爺さんがノーベル賞受賞者で、父方の爺さんが物理か何かの大学教授っていうんだから凄い。頭が良いし、スタイル抜群で、可愛い。英語も上手い。歌も上手い。

　どうも、思考がまとまらないのでこのくらいにする。

サロマの秘密__バロネッツ

　先日、家の郵便ボックスにヤマハ音楽教室から「歌って踊れる青春ポップス」というテーマの音楽教室（講座？）の案内チラシが投函されていた。少々興味深い内容だったので、詳細を調べるために当該教室のWebページにアクセスしてみたのだが、思わず「うーむ」と考え込んでしまった。

　当該ページには三篇の内容紹介動画がアップロードされているのだが、まず一編目の動画を見て思わず「うーむ」となってしまった。そして、二編目の動画で更に強烈に「・・・・うーむ」となってしまった（三篇目は衝撃は小）。

　少子高齢化の影響を受け、ヤマハは1980年代後半くらいから全国展開している「ヤマハ音楽教室」の攻略層を子供から徐々に大人にシフトしていたが、今回の案内は私にとっては少々驚きである。何故ならば、「ヤマハ　大人の音楽教室」は基本は楽器演奏習得をテーマにしていると思っていたからだ。これでは、よくある町のカラオケ教室のノリだ。

　しかし、前述の紹介動画をじっくり吟味してみると、どうやら大会社ヤマハには「町のカラオケ教室」には無い緻密なプロモーション戦略がありそうだ。一線をはずれかけて目標を失いつつあるシニア層に、「思い出の歌でもう一度青春を味わおう！・・・それもみんなでね！」ということをアピールするのがそのプロモーション戦略だと思われる。

　その戦略の方向性は正しいとは思うが、動画で紹介されている内容を見る限り、個人的にはお金をもらっても・・・この教室に参加するのは嫌である。特に、二編目の動画の紹介内容は強烈だった。本当に、こんな事に月に3,500円もレッスン料払って指導されたい・・と思うシニアがいるのだろうか？

　特に、踊り・・はちょっとねえ・・・。レッスンメニューを見ると、”心の旅”、”また逢う日まで”、”卒業写真”等々が課題曲のようだが、卒業写真にどうやって踊りをつけるんですかね？余りにも怖ろしい。

　でも、大会社ヤマハが緻密かつ綿密な市場調査の結果導き出したサービスなんだから、それなりにニーズはあるんでしょうな。不謹慎だけれど、なんだか熟年不倫の温床になりそうな感じである（実際、シニア社交ダンスでは壮絶な阿鼻叫喚の世界があるらしい・・・）。

　まあ、他人の事は放っておけば良いのだが、今回の情報を考慮して自分の現状をそれとなく考えてみた。もちろん、バンド活動の事である。

　素人バンド活動っていうのは、時として「金にもなんないのに、何のためにこんな事やってんだろ？」とネガティブに思う事がある。しかし、今回紹介したヤマハ音楽教室の事例を考えると、自分にとっては「これに比べれば楽しくできるよなあ」と思えるのである。

　私は素人バンド活動の一つのアウトプットとして、後期高齢者に差し掛かっている団塊世代のジーサン、バーサン達が各種介護施設でヨレヨレになっているのを慰問するために、彼らの青春時代の楽曲の生バンドカラオケ大会を実行することを考えている。そうすれば、彼等の10年後をなぞっている自分がヨレヨレになる時に備えた色々な経験ができるのではないか？と思っているのだ。毎度おなじみの平塚市近傍在住のジャズ・ギタリストによると、このような活動は自治体等からも謝礼が出る事もあるらしい。別に謝礼が出なくても、飯食わせてもらえれば十分である。

　テーマとなる楽曲群は色々あるが、間違いなくその一つとして挙げられるのが「グループサウンズ（GS ）」時代の楽曲群だ。これを、30曲くらいレパートリーにしておけば（どうせ、コード進行は簡単だし・・）、結構大盛あがりになるのではないだろうか？

　そこで今回紹介するのは、私のGS時代の思い出の一曲、バロネッツの”サロマ湖の秘密” 。良いですねえ。発表は1968年で、私が小学6年生の時だ。その年にオヤジに買ってもらったソニーのカセットレコーダのオマケのカセットテープに収録されていた曲だ。50年振りくらいに聴いた。感激である。

　どうも、この曲が私のレコーダのオマケについていたのは、曲の発売元がCBSソニーだったからのようである。同時期にCBSソニーからはフォーリーブスのデビュー曲である”オリーブのしらべ”、アダムスの”旧約聖書”も発売されたらしい。うーむ。懐かしい。

Blues On My Mind__Cal Collins

　サッカーJ１リーグの試合がW杯開催で中断されているため生活にハリとリズム感が出てこない。一方で、昨日のW杯対コロンビア戦で日本代表は歴史的な勝利をもぎ取った。実に素晴らしい。今回のW杯はなかなか面白くなってきた。

　そのような状況の中、念願のフルアコースティックギターを購入した。購入したのはIbanez社製のAF155-AWB（下記写真参照されたい）。何を買ったら良いのかさっぱりわからないので、ネットの評判を調査し、知り合いのジャズ・ギタリストのサジェスションを参考に、購入可能なプライスのギターをチョイスした。そこそこ、まともなギター・・・・らしい。所謂、国産優良メーカのハイ・コスパギターというヤツだ。。

　突然のようなギター購入に至った理由は、私の所有するヤマハ社製SG3000でJazzギターを練習するのに限界を感じたからだ。SG3000に限界を感じた理由は色々ある。ジジイになって4.6Kgの重量に耐え切れなくなった・・・というのもあるが、何といっても「Jazzyな音がどうやっても出せない！！！」というのが一番の理由だ。

　まあ、ソリッドギターは求められるモノが違うので「Jazzyな音を出せよ！コノヤロー！！」って責めるのも酷な話である。”餅は餅屋”、”適材適所”、”女子供の出る幕無し”等々の優れた日本語もあるわけで、やっぱり「Jazzギターはフルアコでお願い・・・」という感じになるのが自然だろう。

　・・というわけで、早速にアンプシミュレータを通して、Jazzyな曲を一発演奏してみることにした。名曲「Misty」をYouTube上にゴチャマンとアップロードされている”ジャズ練習用バッキング音源”を利用して適当に演奏してみた。

　感動した。ジャズギターが2.5倍程度上手になったような気がした。素晴らしい。これで、ますます練習のモチベーションが向上するというものである。

　さてジャズ・ギターがテーマだったのだから、今回取り上げるのは当然ジャズ・ギターアルバムである。大好きなカル・コリンズが1979年に発表した”Bluse My Mind”。カル・コリンズは2001年に68歳で亡くなってしまったのだが、実に惜しいギタリストを失ってしまったものだ。日本では全然有名ではないし、メインストリートのジャズ畑出身ではなくてカントリー上がりみたいなところも知名度が低い理由であろう。しかし、私は大学時代からこの人の演奏には惚れ込んでいるのだ。

　必死の思いで購入したフル・アコギターで、彼のコピーでもやりたいなあ・・・としみじみ思った。

　

ひこうき雲__荒井由実

　先日、DAWの活用について有識者に色々とアドバイスをもらった。DAWによる効率的な楽曲制作に関する事が中心だったが、議論が深まるにつれて、どうも私のDAW活用方法には本質的な課題があるのではないか？・・・との疑念が深まった。「私はCubaseを利用すべき人間なのだろうか？」という疑念である。

　Cubaseとは本ブログでも再三登場しているメジャーなDAWの一つだ。世の中には幾つかのDAWが存在するが、最近のPCの高性能化に伴い大抵の機能はPC上で処理できるようになったため、それぞれのDAWがライバル製品の良い所を取り込むようになり「どれを使っても大差無し」・・・と巷では言われている。私もその理屈に納得して、パッケージや操作画面のデザインが素敵だったCubase7.5を何となく購入したのだ。

　しかし、このCubaseは各部のデザインは素敵なのだが、とにもかくにも操作方法が私の感性と合わないのだ。少々言い訳めいた話であるが、私のような世代はソフトの操作マニュアルなんて余り読まない。「・・・多分、こうだろうな・・・」的に試行錯誤して、「・・・ほら、やっぱりそうじゃん」的に解決して一歩ずつ進んでゆく・・・という手法を取る。ある種の推理ゲームを楽しむ感覚だ。マニュアルは最後の手段である。

　客観的に考えると、色々と無駄が多くて非効率な方法である事は否めないが、この方法には利点もある。正解にたどり着いた場合は、しっかりと脳ミソに焼き付くのだ。マニュアルを見ながらやった場合は、なかなか脳ミソには焼き付かない。このような観点で考えると、Appleの製品は実に良くできている。

　Cubaseの操作方法は残念ながら私の推理がことごとく外れるのである。実音取り込みとMIDIシーケンスまでは何とかたどりついた。しかし、その他の機能についてはお手上げ状態なのである。「ウンともスン」とも言わないCubaseの画面を見つめながら、徐々に怒りがこみ上げ、やがてそれは虚脱感に変わってゆくのだ。このような堂々巡りを30分もやっていると、自分の無能さに嫌気がさしてくる。・・・とまあ、こんな感じで楽曲制作どころの話ではなかったのだ。

　前述の有識者氏にCubase活用についての泣き言をグダグタ述べたところ、「じゃあ、私の利用しているDAWに乗り換えませんか?わからない事があれば私が教えます」というありがたい提案を受けた。

　・・・ということで、私は有識者氏が利用している業界NO1.DAWである「ProTools」に挑戦することとした。制作課題曲は、ユーミンの「中央フリーウエイ」。購入したMIDIデータをベースにして、ギター、ベースの実音を組み合わせ、必要に応じてMIDIキーボードからリアルタイムでMIDIデータを打ち込み、ユーミンのオリジナルに雰囲気を合わせる・・・というトライである。状況は次回の記事で報告したい。

　さて今回のテーマはせっかくなのでユーミンのデビューアルバム『ひこうき雲』。荒井由実が日本全国に衝撃を与えた歴史的な一枚である。私は２枚目の『ミスリム』から彼女を知ったので、本アルバム発表時の衝撃は知らない。しかし、私より５歳くらい年上で、東京都内で音楽活動をやっていたオッサン達にとっては本当に衝撃的だったらしい。

　アルバムについては毎度おなじみのここで概要が紹介されている。今回初めて読んだが、なかなか興味深い。

　特に、A面１曲目のアルバムタイトル曲である「ひこうき雲」に関して、旦那さんの松任谷正隆氏が「この曲のサビ部のコード進行のセンスに感銘を受けて結婚を決断した・・・」みたいなエピソードが書かれている。

　「ほほー・・・」と思って、早速ギターで確認してみた。そして、「ほほー・・・」と思った。やはり、ユーミンは素晴らしい。

Easy Come,Easy Go__Bobby Sherman

　我が湘南ベルマーレは横浜Fマリノスとのアウエー戦を4-4の撃ち合いで引き分け、その後にガンバ大阪、浦和レッズに連勝した。Jリーグを代表するビッグクラブに2勝1分と、いよいよ調子の波に乗ってきた。次節ホームの柏戦にも連勝できれば、サポータの酒量は極限値に上昇する事であろう。

　

　・・・とはいえ、Jリーグ全体の盛り上がりはイマイチだ。何でかな？W杯の日本代表監督問題で色々モメてるからシラけたのか？「サッカー＝日本代表」みたいな連中ばかりがサッカーファンの大多数という現状ではダメなのだ。W杯の本戦はファッションであり、超人達のプレー見学・・・が観戦目的となる。「俺のチーム」的な楽しみ方は余りない。

　その意味では、「俺のチーム」的な楽しみ方が国家レベルで全開になるのが、御存知”EURO”である。欧州にエリア限定しているのが規模的にちょうど良い・・のだろう。EUROは実に楽しいというか、羨ましい。

　例えば、2016年に開催されたEURO 2016で躍進したアイスランドチームがイングランドを破った試合では、3万人のアイスランド人が試合会場のある開催国フランスに押しかけた（テレビ視聴率は一説によると99.8%！！！）。

　アイスランドはあんな辺鄙なとこにある人口わずか30万人強の弱小国だ。3万人って全国民の一割だ。それが、大枚はたいてフランスに渡ってくるのだから「俺のチーム」への想いは半端ではない。実に羨ましい。

　ベルマーレの中心的なホームタウンである平塚市は人口26万人、湘南というホームエリアまで拡大すると100万人を軽く超える。全国民の一割のアイスランドみたいな贅沢は言わないから、せめて1%くらいが埼玉スタジアムに押しかけて欲しいものだ。

　・・・・と、サッカーの話ばかりしていては音楽ブログではなくなるので、ここで話題を変えたい。

　今回はキーボード問題である。PCのキーボードではなくて、正真正銘の楽器のキーボードについてのテーマだ。素人のバンド活動においては、このキーボード問題は隠れた課題として厳然と横たわっている。

　ここでいう、キーボード問題とは何か?

　キーボーディストがなかなか見つからないこと・・・ではない。キーボード問題とはキーボーディストとベーシスト（ギタリストの場合もある・・・）のバンド内での関係が険悪になる事だ。険悪になる原因はキーボーディスト側にある事が圧倒的に多い。

　要は、キーボードの低音とベースの低音がぶつかってしまって喧嘩になっちゃう・・ってな話である。

　御存知のように、音楽では「周波数の近い低音は鳴らしちゃダメヨ」的なルールがある。近い周波数の複数の低音が同時に発音すると、「音が汚く」なりやすいからだ。Jazzなんかではこれは非常に重要なポイントとなっている。

　プロやレベルの高いアマチュアバンドでは、この課題を上手に回避している場合が多いが、バンドによっては「全く配慮のない王様キーボード」がグチャグチャにサウンドを劣化させる事がある。そこで、一番被害を被るのがベースだ。

　この問題の解決にはバンド内での人間関係の絶妙なバランスが求められる。ベーシストがキーボーディストに向かって「低音弾くな・・・って言ったろ！ボケが！！」的な叱責が容易に行えるような人間関係のバンドは良い。

　しかし、音大卒でプライドが非常に高い「元クラッシックお嬢様」で譜面通りのソロピアノは抜群に上手い・・・けど、バンド演奏経験がほとんど無い・・・ようなオバハン（・・・しかも、これが結構沢山いるのだ）がキーボーディストの場合は非常に難しい。一触即発の恐れがあるため、ベーシストはうかつな事は言えない。そして、徐々にフラストレーションが蓄積されていくのだ。

　この問題は解決がなかなか難しい。私が参加しているバンドの一つでもこの問題が良く発生する。当該バンドでは、ベース担当の私が「低音出すなよ！！ボケが！！」的な事が平気で言える状況ではあるが、それでもなかなか解決できない。何故なら、相棒のキーボーディストが「左手をガンガン弾かないと、右手が上手く弾けないアルヨ」みたいな訳の分からない事を言うのだ。こういうのはキーボーディストの手癖（・・腕癖？）って言うのだろうか？

　・・・ともかく、アマチュアバンドにおけるキーボード問題は意外と根が深いのだ。

　さて今回ご紹介するのは、「キーボード問題」とは全く無関係な、米国アイドル歌手のボビー・シャーマンの”イージー　カム、イージー　ゴー” 。

　ボビー・シャーマンは私が洋楽に目覚めた1970年代初頭に活躍した美男歌手である。当時は日本でもそれなりの人気だった。同時期に日本でも人気の高かったTV番組「パートリッジ・ファミリー」の出演俳優であるデビッド・キャッシディよりも本国では人気があったらしい。

　この曲の前作となる”ラ・ラ・ラ”が日本でもスマッシュ・ヒットして注目されたが、次作のこの曲で決定的な人気を獲得した。私と同い年の洋楽大好きオヤジは皆さんご存知の曲と思う。

　ボケ―とした能天気なボーカルと親しみやすいメロディー・・、正に1970年代初頭の典型的なサウンドだ。この曲の次作である”いとしのジュリー”も同様のコンセプトの素敵な曲である。

　

　

10ナンバーズ・カラット__サザンオールスターズ

　読者の皆様。おはようございます。昨夜は我が湘南ベルマーレが王者鹿島アントラーズをホームで2-1で撃破し、久しぶりの勝ち点3をゲット致しました。多くのご声援、誠にありがとうございました。

　・・・・もう本当に飯が美味い。美味過ぎて吐きそうになるほどである。しかも、ゲーム終了わずか数秒前の決勝弾だ。久しぶりの劇的な勝利に15,000人近くの観衆に膨れ上がった”湘南BMWスタジアム平塚”は歓喜の雄叫びが満ち溢れた（ことだろう・・・）。このような劇的な勝利は数年に一回あるか無いか・・だ。

　しかし、このような特別な試合が展開されていたまさにその時、こともあろうに私は横浜駅近傍で別のテーマで悪戦苦闘していたのである。「そんな時にお前は何をやっておるのだ？」と読者諸兄は呆れ果てると思うが、こんな劇的な試合になるとは思ってなかったので、別件を優先したのは少々しょうがないのである。

　そこで、それだけの犠牲を払ってまで何をやっていたかというと、実はバンドの練習をやっていたのだ。オッサンバンドである。これで、5バンド目となる。アホですな。

　このバンドのテーマは誰もが大好きサザンオールスターズ。個人的には生まれて初めてのサザン演奏に関する取り組みとなる。今回は、ベーシストとドラムスのオッサンがいるので、私は本業であるEgを担当させてもらえる事になったのだ。

　サザンオールスターズは誰もが知っている有名バンドであるが、実際にコピー演奏をしようと思うと、実は色々と難しいのだ。課題は3つ。

1．ボーカルの桑田氏が凄過ぎて、あの雰囲気を出すのは極めて難易度が高い

2．リズム隊が非常に優秀なので、あの雰囲気を出すのは難易度が高い

3．ラッパやら、ストリングスやらが多用されるリッチなサウンドなので、あの雰囲気を出すのは難易度が高い

　つまり、サザンオールスターズは「聴くは楽しく、演るのは地獄」的に、アマチュアバンドの弱い所をグサグサと突いてくるバンドなのだ。昨夜もその課題は我々オッサン達をグサグサと突きまくった。ツイン・キーボートを想定していたのだが別件で参加ができず、ベース、ドラムス、ギターのトリオで練習することになってしまったのである。

　リッチなサウンドもヘッタクレもあったものではない。ブルースバンドですか？ってなもんだ。しかも、ベース、ドラムスの御二方は「楽器演奏に集中させてもらう」と表明したため、なんとボーカル・パートはEgを弾きながら私が担当するという体たらくである。

　そりゃ、キツイですわな。だいたい、私はボーカルが非常に苦手だ。しかも、桑田氏のような高い声が出ない。だが、出さねばならない。その結果、3時間の練習でほぼ屍と化したのである。サザンはキツイ。次回練習はキーボード部隊は参加するので、ギターの負担は大幅に軽減されるだろうが、ボーカルどうする？問題は依然残ったままなのである。

　さて、今回のテーマはそのサザンのセカンドアルバムである「10ナンバーズ・カラット」。アルバム収録曲の中で、何といっても有名なのは「いとしのエリー」だろう。我々世代のカラオケの定番であるが、この曲は実に難しい。当該バンドでは演奏する予定は全く無い。

Tower Of Power__Tower Of Power

　雪が降っている。そこで、今回もしつこくTower Of Powerをテーマとしたい。

　今回紹介するのは彼らの3枚目のスタジオアルバム”Tower Of Power”。発表は1973年。バンド名をそのままアルバム名として心意気を示したように、その後の大成功のきっかけとなった素晴らしい名盤と言える。サウンド的にもオリジナリティが確立しつつある。

　ハッピーでファンキーな曲が多いが、その中でもA面1曲目の”What Is Hip? ”は曲名もカッコ良いがサウンドも死ぬほどカッコ良い。Tower Of Powerの人気を決定付けた最重要の曲であろう。私とTower Of Powerの出会いもこの曲だ。当時楽しみにしていた大橋巨泉氏がパーソナリティをやっていたラジオ音楽番組で紹介されたのだが、初めて聴いた時は衝撃的なサウンドに腰が抜けた。腰は抜けたが必死に本アルバムを購入し、当然のように4作目のスタジオアルバム”Back To Oakland”と5作目の”Urban Renewal”も続けさまに購入した訳だ。

　我々のようなTower Of Power愛好家においては、”Tower Of Power”、”Back To Oakland”、”Urban Renewal”の3作が黄金アルバム（在籍メンバーも黄金）として認識されている。個人的には”Back To Oakland”が一番好きだ。ともあれ、この3作を久し振りに聴いていると、音楽は面白いなあ・・とつくづく思う。

Bump City__Tower Of Power

　日米の株価が下がりまくりで極めて気分が悪い。最近はAIを始めとしたコンピュータ裁定が中心になっているらしいが、無慈悲なコンピュータの判断のおかげで株価の上下振れ幅が大きすぎてやってられない。今年の2月からのジェットコースターのような株価下落は心臓に悪い。私はバブル崩壊、ITバブル崩壊、リーマンショック等を経験し多少は株価無常観が醸成されているが、定年退職金を元手に株式投資を始めたようなナイーブなオッサンなんかは「舌を噛んで死んじゃいたい」ような気分だろう。

　ともかく気分が悪いので、前回に続いてTower Of Powerについて語りたい。

　Funk曲はこのバンドのサウンド（当該バンドはインスト・ファンクバンドとしては超有名）のように、後拍リズム・パターンを同じように延々と演奏する楽曲が多い。自然と体が動いてしまうようなサウンドだ。つまり、体が自然と動く事に快感を得られる人にとっては実に楽しいのである。

　ここでポイントだが、日本人はこの後拍リズムに体を委ねて快感を得る事ができる人種と「そうでない人種」に分かれるようだ。

　後者にとってはFunk曲はつまらんでしょうな。なにせ同じようなパターンが延々と続くから、サウンドによって快感を得る事ができない。歌詞を味わう事に注力しようとしても、英語だから良くわからん。しかも、だいたいにおいてFunk曲はリズムが命であるからして、歌詞なんか手抜きのアホみたいな内容である。

　したがって、演歌DNAを有する日本人とってFunk曲は「何じゃ・・これは？」的な扱いにならざるを得ないのだ。私は演歌は全く駄目である。つまり、人間としての音楽DNAが違うのだ。共存することは非常に難しいだろうな。私はTower Of Power大好きオヤジとは仲良くなれると思うが、演歌大好きオヤジとは仲良くなれそうもない。

　まあ、日本人がFunk曲が苦手だろうが、私にとってそんな事はもう知った事ではないのだ。何故ならば、YouTubeが極めて低コストで世界中のFunkを紹介してくれるからだ。日本がFunk鎖国状態であろうとも、情報はグローバルに流入されるのだ。ザマー見ろ。

　気分がささくれ立っているので表現がどうもネガティブだが、とにかくYoutube等のおかげでTower Of Powerのレアなライブ・アルバムも聴けるし、彼等のウルトラ・スーパー・ライブ演奏の動画も視聴できる。素晴らしい。

　多少、気分が前向きになったので、Tower Of Powerの演奏について更に詳細に語ってゆきたい。

　Tower Of Powerはホーンセクションを前面に据えた大編成バンドであり、各楽器群のアンサンブルを最大のセールスポイントとしている。同じようなセールスポイントを有するのが、これまた私が青春を共にしたと言っても過言ではないChicagoである。

　Chicagoはアメリカ版のビートルズみたいに多彩な音楽性を有するバンドだ。初期の頃はラジカルなブラス・ロック、フォーク、クラシカル・ポップスみたいな感じだったが、1970年代中期くらいからタイトでファンキーなリズムの曲が増えていったのである。ChicagoⅥのA面5曲目 、ChicagoⅦのD面3曲目、ChicagoⅩのA面3曲目等はFunk曲だが、ロック・バンドとしてのシカゴ・サウンド色が濃厚であり、Tower Of Powerとは趣が異なり興味深い。ともあれ、1970年代はFunkが大いに盛り上がった時期なのだ。

　初期のTower Of Powerのホーン・セクションは5管であるのに対し、Chicagoは3管である。Tower Of Powerのホーン構成にはバリトン・サックスが含まれる。Tower Of PowerとChicagoを演奏能力という点で比較すると、ホーン・セクションの演奏能力の差が大きい。Tower Of Powerが圧倒的に上だ。

　特に、Funk曲にとって最重要なトランペット担当者の演奏能力差が大きい。これはいかんともしがたいレベルである。Chicagoはトランペッターの演奏能力が低いため、Tower Of Powerの特に高速な曲の演奏がライブではかなり難しいであろう。逆は楽勝であろう。まあ、Chicagoは演奏能力を武器にしていたバンドではないので仕方がないのだが、個人的な興味としてはChicagoの曲をTower Of Powerが演奏する・・というライブを目撃してみたいものである。

　今回紹介するのは1972年に発表されたTower Of Powerの二枚目のスタジオアルバム”Bump City”である。前作がソウル色が濃かったのが吉と出なかったのか？それとも吉と出たのか？はわからないが、どういう訳だかワーナーに移籍してのアルバムだ。サウンドコンセプトが結構変化している。売れセンになっているのだ。

　彼らの人気の導火線になったとも言えるB面2曲目の”You're Still A Young Man”はメロディアスでリッチなバラード曲で実に素晴らしい。A面1曲目の”Down To The Nightclub”は「オークランド・ストローク」と呼ばれる彼等独特の16ビートリズムパターンを導入したファンキーな名曲である。

East Bay Crease__Tower Of Power

　湘南ベルマーレが東京に0-1で敗退し、極めて気分が悪い。0-1のスコアではあるが、惜敗ではなく完敗だろう。共にJ2の時代には東京（東京ガス）には結構勝っていたのに、彼等がJ1の強豪チームになってからは勝った記憶がない。しつこいようだが、極めて気分が悪い。

　気分が悪いので、今回は少々独断と偏見に満ちた論評を長々と展開したい。テーマは人生を共にしたと言っても過言ではない米国が生んだ宇宙最高のFunkバンド”Tower Of Power”である。

　残念な事に、このバンドは日本では一部の熱狂的な愛好家を除くと余り知られているとは言えないのだ。何十年も前から感じているのだが、「大概の日本人はFunkは苦手」・・・みたいな極めて不都合な事実が横たわっているようなのだ。nが一文字違う方は苦手ではないくせに・・・。とにかく、日本ではFunkは余り流行らない。

　これは極めて残念な事である。今回、私は気分がささくれ立っているので、偏見の塊となって敢えて言うが「Funkが嫌いな奴はアホである」。久し振りに暗殺団が結成されそうな暴言だが、本当にそう思うのだからしょうがない。

　私が思うに、日本におけるメジャーなFunk系のミュージシャンは「スガシカオ」と「米米クラブ」だ。しかし、残念な事に彼らの代表曲は全然Funkではないのである。彼らほどの実力と人気をもってしても、Funk曲は味付け的なバリエーションの扱いなのだ。本人たちは不本意なのかも知らんが、ともかく事務所的、レコード会社的にはFunk曲は飛び道具の扱いである。

　米国には超Funk原理主義的なバンドがウジャウジャ存在しており、どれもこれも同じようなド・Funk曲を天も裂けよ・・・とばかりに演奏している。実は、これらのバンドの楽曲を聴くと、さすがの私でもCD一枚くらいで力尽きる。Funk曲は日本人のDNAに背を向けるサウンドなのだろう。

　そこで、Tower Of Powerだ。彼らの最大の特徴は、「超Funk原理主義とは一線を画した洗練されたサウンド」+「極めて高度な演奏能力」の二点であろう。

　特に、後者は凄まじい。10人超の大編成バンドにも関わらず、高速かつ極めて複雑なリズムでも見事なまでにタイトに演奏される有様はとても人間技とは思えない。ライブ演奏でのクオリティは信じられないレベルだ。特に、ホーンセクションの切れ味は抜群で、デビュー当時は「世界一のホーン・セクション」と呼ばれていた。

　そして、もうひとつ演奏能力において忘れてならないのが、ドラムス担当のディビット・ガリバルディとベース担当のフランシス・ロッコ・プレスティアの二人だ。この二人が生み出す16ビートを基本とした独特のリズムパターンが素晴らしい・・というか異常である。この二人はすでに60歳を過ぎたジジイであるが、世界中のミュージシャン達の尊敬と憧れの対象となっている。

　このようにTower Of Power の音楽は人間の生み出すものとしては最高峰の一つであろう。まさに1970年代に生まれるべくして生まれたスーパバンドなのであーる！！・・・それなのに、日本では人気が出ないのだなあ。まあ、良いや。

　今回紹介するのは、Tower Of Powerの1970年に発表したデビューアルバム。少々、”黒くソウル”している。ソウル・トレインに充分に出演できるサウンドであり、現に出演していた。

　ソウルサウンドを色濃くしたアルバムでデビューした彼等であるが、徐々に独特のFunkパターンを確立して全盛期を迎える。しかし、大編成ハイテクバンドにありがちな事だが、どうしてもメンバー交代が激しくなってしまう。ボーカルはしょっちゅう替わるし、リズムの要であるドラムスのデイビットは出たり入ったりが多い。ベースのロッコも出たり入ったりがあった。

　大編成ハイテクバンドなので、メンバー交代は楽曲のテイストに影響する。全盛期は直ぐに終わり、1970年代末期はサウンド的には迷走する。やがて、世の中はディスコブームになり、彼等も御多分に漏れずディスコチックに変貌して堕落してゆくのだ。ここでも産業ミュージックの悪影響が出てくる。

　しばらく暗黒の時代を経てメンバーもオッサンになり、1980年代後半からはSmooth Jazz系のサウンドになってゆく。正に、熟成されたサウンドが同じようにオッサンになったファンの心をつかみ、今やスーパー・ライブ・バンドとして活躍を継続している訳だ。

　

Forever Autumn__Vigrass & Osborne

　我が湘南ベルマーレは開幕2戦で1勝1分の勝ち点4という好成績で快進撃を続けている。しかも、前節は昨年のチャンピオンチーム川崎とアウエーで引き分けだ。次日曜日の名古屋との一戦を勝利で飾ることができれば、勢いに乗ってJ1リーグ残留も夢ではなくなりそうだ。実にメシが美味い。

　一方、平昌オリンピックは女子カーリングで始まり、女子カーリングで終わるという予想外の盛り上がりとなったが、五輪一色のニュースが一段落した最近のニュースで非常に興味深かったのは、「米国楽器大手ギブソン社が経営的にヤバイ」という経済ニュースだ。

　ギブソン社は世界的に有名なギターメーカーである。ヤマハ愛好者である私にとっては「フーン」てな感じだが、普通のロック野郎にとっては聞き捨てならない事態であろう。ギブソン社の代表的なギターと言えば言わずと知れたレスポールだが、これがとにもかくにも重いのである。私の保有するヤマハのSG3000も重いが、レスポールも同じように重い。

　最近は重いギターは人気がないらしい。重いギターには「音が減衰しにくい」という良い点もあるのだが、最近の音楽は無理に音を伸ばさなくても良いし、信号処理で何とかなっちゃいますね。ということで我がSGも重すぎて廃れてしまったわけだが、レスポールも同じような厳しい現実があるのだろう。レスポールが売れなければ経営としては厳しいのだろうなあ・・。私はレスポールに興味が全くないので（デザインが嫌い）良く知らないが、噂によると軽くするために空洞部分を持つタイプも発売されているようだ。ストラト系は多少軽いからまだ大丈夫なのかな？

　さて今回は、ギブソン社もそれなりに儲けていただろう1972年のスマッシュヒットとなったビブラスとオズボーンの「秋はひとりぼっち」である。彼等の本国イギリスでは余りヒットしなかったらしいが、日本ではかなりのヒットとなった。私と同世代の洋楽オヤジは皆さん知っている曲だろう・・・と思う。

　当時はこの曲のように本国でヒットしていないのに日本に版権をもってきてレコード販売してヒットを当ててしまう・・という曲が結構あった。当時のレコード会社の企画マンというのはセンスの良い連中が沢山いたのであろう。実に面白そうな仕事である。

First Take__野口五郎

　前回に引き続いて、1970年代を代表するアイドル歌手である野口五郎氏が今回のテーマ。彼は私と同い年である。1971年に15歳という若さでレコードデビューを果たした天才アイドル歌手もすでに還暦を過ぎたジジイになってしまった。彼の代表曲は彼のお兄さんが作曲した「私鉄沿線」であるが、私はやはり筒美京平氏が作曲した「オレンジの雨」が彼の最高傑作だと思う。

　さてその野口五郎氏であるが、芸能界では屈指の凄腕ギタリストの一人として知られている。しかも、私と同様にフュージョン・ミュージックにドップリとはまってしまい、更にそのドハマリが高じて1982年にフュージョン系のギター・インストアルバムまで発表してしまうのである。それが、今回紹介するアルバム「First Take」 だ。とても青春アイドル歌手の仕事とは思えないが、当時は「趣味的」アルバムを制作できるほどのスーパースターであったと言う事だろう。

　実は、個人的には昔から注目していたアルバムであったのだが、流石に大枚をはたいてまで買うほどの優先度ではなかった。しかし、ひょんな事からYutubeに上記のようにアップロードされている事を知り早速聴いてみたのである。参加ミュージシャンは渡嘉敷祐一 ( ds )、鈴木 茂 ( g )、岡沢 章 ( b )、矢島 賢 ( g )、富樫春生 ( key, synth )、浜口茂外也 ( perc )・・という面々で、当時としては「ドヒャー！！」レベルの超一流スタジオミュージシャン達である。

　ところが、サポートミュージシャンの中に鈴木茂、矢島賢という当時の超一流のスタジオ系ギタリストが二人も参加している事に違和感を感じた。凄腕ギタリスト野口氏のリーダアルバムなんだから、ギタリストは彼だけで良いではないか。彼ほどの凄腕ならば、大抵の事はできるはずだ。何もこの二人のサポートを受けなくても良いはずだ。オーバダビングだってできるし・・・。

　・・・と違和感を感じながらアルバムを聴き込んでいったのだが、途中で直ぐにその理由がわかった。まさしく、ギター・インストアルバムだったのだ。つまり、超一流のスタジオミュージシャンの演奏をバックに、野口五郎氏がメインのメロディを歌うのではなくて「メインのメロディーをギターで弾く」という内容なのである。最初から最後まで野口五郎氏のギターがメロディを高らかに歌い上げているのだ。

　うーむ。それはマズイのではないですかね？残念ながらそんなの聴きたくないですわな。

　野口五郎氏は不本意だったのではないだろうか？・・と推測する。何故なら、1980年当時の彼の発言等を考慮すると、こんなコンセプトのアルバムを彼が制作するとは私にはどうしても思えないのである。私はキーボードなどのギター以外の楽器のソロもいっぱい出てくるような当時の普通のフュージョン・サウンドを期待したのだ。

　色々と大人の事情もあったのでしょうなあ。きっと、余り売る気もなかったのでは・・・。しかし、彼の才能を考えると個人的には凄くもったいない・・・と思う。このアルバムの後にも同様？の企画のギター・インストアルバムが制作されたらしい。どのような内容になったのか非常に気になるが、現時点ではそれを確認するのはかなり困難なようである。

気まぐれヴィーナス__桜田淳子

　年明けから世の中では余り良い話題が無い。特に、”老害”と”通り魔”の二つのキーワードがやたらと目につく。どちらも、自分と関係が深いのでついついとニュースを読み込んでしまう。後者については自分の努力だけでは回避に限界があるので何ともやりきれない。私の住んでいる神奈川県平塚市は少々治安が悪い。駅からの帰り道等で背後に人の気配を感じると非常に緊張する。ヤバイですな。

　そのような中、最近二つの集団型女性アイドルに非常に感銘を受けた。一つは少女時代、もう一つはモランボン楽団である。後者はアイドル・グループの範疇なのかは意見が分かれるところだが、両グループ共にビジュアルとパフォーマンス・クオリティの高さは素晴らしい。両グループが共に朝鮮半島に所属している・・・というのは少々難があるが、日本の集団型女性アイドルとは比較にならないクオリティだ。実に良い。

　さて、本ブログにおいては年明けは女性アイドルがテーマになることが多い。そこで、今年最初は私より二歳年下のスーパー・アイドルだった桜田淳子さんの19枚目のシングル曲『気まぐれヴィーナス』をテーマとしたい。

　この曲が発売されたのは1977年。淳子ちゃんの人気が全盛だった頃で、一時的にライバル山口百恵ちゃんを存在感的には上回っていた・・・ような気がする。レコードジャケットを改めて見ると可愛いなあ・・・と思った。当時は余り可愛いとは思わなかったのだが・・。

　気まぐれヴィーナスは私の大好きな青春歌謡の王道を行く素晴らしい曲だ。とにかく、音がリッチである。ラッパも入っている。淳子ちゃんの歌は下手だけど、バックのサウンドがそれを補ってたっぷりと余りがでているのだ。

　この曲のようにアップテンポのノー天気な曲は”ラッパ”、少々哀愁が香る曲は”ハーモニカ”をイントロに多用するのが良い。これが、1970年代の青春歌謡のあるべき姿である。キーは長調である事が大前提だ。

　淳子ちゃんも遂に今年の4月で還暦か・・・。あれから、月日は流れたのだなあ。彼女も色々とあったんでしょうね。情報によると、最近活動を再び開始したらしい。ライブ・チケット等は瞬く間に売り切れているそうだ。彼女の顧客であった私より多少年上の連中が次々に完全リタイアしているからか知らん？

　

TOTO__TOTO

　アメリカを代表するロックバンドのTOTOが1978年に発表したデビューアルバム「宇宙の騎士」が今回のテーマ。TOTOは本ブログ初めての登場である。

　TOTOが本アルバムでデビューした当時は、「何だかとてつもない凄いバンドがいるらしい・・・」的な評判が高まったように記憶しているが、実はその後の印象がほとんどない。ただ、本アルバムのA面3曲目”Georgy Porgy”だけは不思議と記憶に残っている曲である。

　1978年当時の私にとっては、「一流スタジオミュージシャン＝神」であるから、L.A.の凄腕スタジオミュージシャンで結成されたTOTOには飛びつくはずなのだが、残念ながら現在に至るまで真面目に聴いたことが一度も無いし感銘を受けた記憶も無い。

　2017年の最後を飾る記事でもあるので、ロック聴かず嫌い反省の旅・・の集大成としてTOTOをYoutubeでじっくりと聴いてみた。

　まず、メンバーの演奏力がとんでもなく高い事を改めて再認識する。特に、リズムが実にタイトだ。近年は基本ビートがコンピュータによって生成されている曲も多いので、リズムがタイトであることは当たり前・・という感じだが、人間系の演奏でタイトにリズムをキープする・・・というのはプロでもハードルが高い。何だかズルをしているようなレベルのタイトさである。

　次にボーカルとコーラスのレベルの異常な高さに驚く。どうして、欧米のバンドってコーラスが上手なんですかね？コーラスが上手い（・・・というか売りにしている）日本のバンドはオフコースくらいしか思いつかん。欧米人とのフィジカルの差が影響しているような気もするし、”音楽をどう楽しむか？”という文化の違いも影響しているような気がする。

　実に素晴らしいのだが、「TOTO好きですか?」と聴かれたら実は「うーん」となってしまう。それまでに聴きまくった1970年代の人間臭いサウンドとどうも異なるからだ。

　このようなある種の個人的な違和感を端的に説明するキーワードが”産業ロック”というカテゴリである。”聴きやすいメロディー”、”リッチなサウンド”、”品質の高い演奏”という要素をもったロック・サウンドを表現するカテゴリである。代表的なバンドとしてはジャニー、フォーリナーなどがある。このキーワードを浸透させたのはロック評論家で有名な渋谷陽一オヤジであるらしい。我々世代においては、このオッサンは有名ですね。

　産業ロックが本格的に発展していくのは1980年代に入ってからだが、楽器テクノロジーの進歩の影響が一番大きいだろう。特に、シンセサイザーがデジタル化され始めたことにより、キーボードによってストリングス、ブラスなどの高コストの音が低コストに実現できるようになったことが大きい。当時はYAMAHAのDX7とか色々なデジタルシンセサイザーの名機が生み出された。

　ライブを主体とするロックバンドにとってはこれは非常に大きい。もう一つのコーラスに関しては、ライブ用の専門コーラス部隊を採用すれば、相当なクオリティのサウンドがライブで実現できてしまうのである。ライブで専門コーラス部隊を採用したって、聴衆はリッチなサウンドを求めているから文句は言わない（多分）。

　こうやって考えると、確かにロックの産業化・・・みたいな感じはわかりますな。ライブの音をリッチというか、どんどん派手にできるので、ボーカルも感情移入型のハイトーンボーカリスト中心になるし、曲もシンフォニックな大袈裟なものになる。まさに、産業ですな。

　実は、私はこういうサウンドが好みではない。私の愛するシカゴが14枚目以降のアルバムで”産業化”していったのに合わせて、急速に興味が低下して行ったのもうなずける気がする。

　

Little Games__The Yardbirds

　今回は伝説のブリティッシュ・ロック・バンドと言われているヤード・バーズがテーマ。伝説バンドと呼ばれるのは、良く知られているようにエリック・クラプトン、ジェフ・ベック、ジミー・ペイジという3人のギタリストが在籍していた・・・というのがその大きな理由であろう。

　

　確かに、これは凄い。3人共に使用ギターをオークションに出せば、数千万～数億円/本にはなってもおかしくないという連中である。私は買わんが・・。とにかく、この3人のギタリストが在籍（しかもジェフ・ベックとジミー・ペイジは同時に在籍していた期間もある）していたのだから、全くもって驚きである。

　私がロックを真面目に聴き始めた頃には既に目立った活動はしていなかったが、「スゲーバンドだったんだろーなー」と思いつつ、実は一度も聴かずに現在に至っているのである。1970年代ロックではないので聴かなくても良いかも知れないが、やはり聴いておきたい・・という事で、いつもお世話になっているYoutubeサービスで色々と聴いてみた。

　50年前のロック・サウンドだから実に古めかしい感じがするが、やはりオリジナリティというか新時代の音というか・・訴えるものは十分ある。マグマが噴火する前のような独特な雰囲気だ。

　とはいえ、いつものように直ぐに飽きてしまった。まあ、しょうがないですね。そういうサウンドです。

　飽きてしまったので、ヤード・バーズに関する情報を色々と調べてみたのだが、こっちの方は実に興味深い事が幾つかあった。

(1)　クラプトン、ベック、ペイジの3人は意外と仲が良かった。しかも、3人はほぼ同学年である。

(2)　クラプトンが音楽的対立で脱退することになり後釜としてペイジに白羽の矢が立てられたが、ペイジはクラプトンの心中を慮って（忙しいのもあったらしいが）加入を断り、仲の良かったベックを紹介して加入に至った。

(3)　ベックとペイジは同時に在籍していた時は、ペイジはベースを弾いていた。ベックは仲の良かったペイジに「俺は辞めっから」と断って脱退していった。

(4)　一人残されたペイジはバンド存続に色々手を尽くしたが叶わず、そうこうしているうちにバンドとの契約も切れちゃったので、しょうがないからツエッペリンを立ち上げた。

　

　などなど・・・・。

　とにかく、「3人はそこそこに仲が良かった」という事実は個人的にはびっくりである。当然、仲が悪いと思っていた。「あんな凄いギタリスト達を抱えて、ヤードバーズもマネージメントが大変なんだろうね」と心配していたくらいである。

　特筆すべきは、ジミー・ペイジのオッサンの存在である。このオッサン、なかなかやるなあ。各種情報を総合的に判断すると、人間的にはかなり優れた人物であったような気がする。頭も切れたようだ。要はやり手のビジネス・マンみたいな感じである。

　クラプトン、ベックは明らかにギター職人であり、ペイジとはちょっとタイプが違うようだ。ジミー・ペイジって良いヤツなのかも・・・。

　ジジイになったベックとペイジが一緒に演奏して、仲良く抱き合っている動画なんかもYoutubeにはアップされている。こういうのって、実に良いなあ・・・と思う

One Way...or Another__Cactus

　Youtubeを利用して極めて低コストで1970年代のロック名盤を探索しているが、ここ数回の記事では「二度と聴かん」、「好みに合わん」ばかりで書いていても虚しくなってきた。そこで、今回は大好きなカクタスが1971年に発表した二枚目のアルバム”One Way...or Another”がテーマ。

　カクタスは日本では余り知名度は高くないが、アメリカン・ハード・ロックを語る上では極めて重要なバンドであり、後続のバンドに多大な影響を与えている。骨太のハードロックでズンズンと突き進んでゆくサウンドが実に気持ちが良い。

　カクタスというバンドを分かり易く形容すると「米国版のツェッペリン」というのが近いだろう。サウンドも似た感じだし、アコースティックなサウンドを活用している点も似ている。ただし、カクタスの場合はカントリー・ウエスタン系のアコースティック・サウンドが主体である。

　とにかく、このバンドのポイントはベーシストのティム・ボガードとドラムスのカーマイン・アピスの二人だ。カクタスの前にヴァニラ・ファッジに所属していた二人は、後に一緒に組んでBBAを結成するジェフ・ベックから再三にわたってバンド結成の勧誘を受けていたらしい。

　ウルトラ自己中・ハイテク・ギタリストのジェフ・ベックから認められていたのだから、二人の演奏テクニックは極めて特徴的で優れていたのだろう。ただし、ジェフ・ベックが事故トラブルか何かでバンド結成の話が頓挫し、「しょうがねーな」的に結成したバンドがカクタスだったらしい。

　カーマイン・アピスのドラムスは凄い。実に凄い。こういうドラマーをロック的には上手いって言うんだろうなあ。ジェフ・ベックがツェッペリンに対抗心を燃やして二人を巻き込んでバンド作ろうとしたのだから、こんな感じのドラムスが必要だったのだろう。

　そして、ベースのティム・ボガードである。以前の記事にも書いたが、私はこのオッサンのベースが大好きだ。いかにも、アメリカン・ロック・ベーシストっていう感じである。サウンドも格好いいが、演奏姿も格好良い。背が高いのからだろうが、実にベースの持ち方が格好良い。

　ベースとかギターを格好良く持つのは努力が必要だが、再三述べているように体格も大きく左右する。その点では、外国人バンドの演奏は実に格好良いのだ。

　ティム・ボガード、カーマイン・アピスは楽器演奏も凄いが、歌がこれまた上手い。カクタスはとにかく素晴らしいバンドである。

NeverMind The Bollocks__The Sex Pistols

　J1リーグの最終節に川崎フロンターレが初タイトルを逆転で奪取した。中村憲剛選手の涙はなかなか感動的だった。フロンターレは2000年始め頃はベルマーレと一緒にJ2でもがいていたのに、今やJ1の最強豪チームである。ずいぶんと差をつけられてしまった。川崎というホームエリアとの密着度合も素晴らしく、サポータ数・予算規模はともかくとして、チームの性格はベルマーレと良く似ている。サポータ連中の歓喜を見ると、まったくもって実に羨ましい限りだ。

　

　さて、いよいよ師走に突入したが、今月はバンド活動が非常に忙しい。現在、3バンドのベースを担当しているからだ。しかも、そのうちの一つでは新規ドラマーをネットで募集するという人事部長みたいなことも担当している。自転車輪行旅行にも行かなければならないし、今年は忘年会的なイベントは大幅自粛の様相だ。

　ちなみに、ネットによるドラマー募集については、活動エリア⇒神奈川、東京に限定したにも関わらず掲載3日目で既に3名のオッサンがアクセスしてきた。予想外の多さである。全員、50歳以上。オッサンドラマーは人材難だと思っていたのだが、「参加希望」的な連中はそれなりに存在しているようだ。

　以前にこんな記事を書いた。バンド参加方法に関する内容である。今回応募してきた3人のオッサンは「オッサン釣りのワナ」だとは露ほども思っていないようである。やっぱり、バンドに参加したいオッサンは沢山いるのだなあ・・・。

　ところで、「我々はバンド活動に対して、何を求めて何を目指すのだろうか?」という事を改めて考えてみたのだが、これが実にはっきりしないのである。個人的には「自己満足によるストレス発散をベースとした親睦」だと思っているのだが、これについては人それぞれだろう。まあ、「音楽が大好きなんだよ。俺は・・・」というのは基本中の基本だと思うけれど・・・。

　そのような事を考えながら選んだ今回のテーマはセックス・ピストルズである。皆さんご存知のように、1970年代後半に突然のように現れたパンクロックの雄だ。

　

　私はパンクが苦手である。苦手というか、逃げていた。「またかいな・・・」と言われそうだが、私はパンクと聞いただけでウンザリである。しかし、1970年代ロックを探す旅を彷徨っている以上、パンクロックは避けて通れない・・・ということでYouTubeにて彼らの唯一のスタジオ・アルバムである”勝手にしやがれ（NeverMind The Bollocks）”をじっくりと聴いてみた。

　全部、ちゃんと聞きました。しかし、正直やんなっちゃいましたね。全部の曲が同じに聴こえますね。私の乏しい知識によると、サウンドよりは詩のメッセージ性が重要・・との事だが、日本人の私には何を主張しているんだかさっぱりわからない。したがって、最大のセールスポイントが無力なんだから、単純なアホみたいなサウンドにしか聴こえない。

　レコード回して正座して聴くのはキツイが、前述のオヤジバンドのライブの演目にするのはどうだろうか？この曲を素人ライブで演奏したいか？と聞かれれば、私は完全に「ノー」だが、意外と「良いんじゃない？」っておっしゃるオッサンもいそうである。

　レコード聴いてる限りでは全部同じに聴こえるが、ライブではエネルギッシュな感じで結構受けるかも知れない。しかも、ボーカルがアナーキーぽい狂った系風貌のオッサンだったら結構絵になるなあ…と思う。楽器演奏スキルが低レベルでも、ボーカルさえ雰囲気を出してくれれば行けちゃう感じである。聴衆とも一体感も出そうだ。

　これって、バンド演奏においては非常に重要ですね。なるほど、素人がセックス・ピストルズに触発されて次々にバンド演奏にトライして、フォロワーを多く生み出した・・というのも何となくわかる気がするな。

　情報によると、これらのフォロワーバンドの中から幾つかの腕利き連中が”ニュー・ウエーブ”と喚いてさらにパンク・カテゴリを発展させたらしい。なるほどねー。勉強になるなあ。

　あの有名な”スネークマン・ショー”のレコードで、「パンクとニューウエーブは全然違うんだぞ！！」と叫ぶ面白い一節があるが、今となってはその言いたい事の意味が何となくわかる気がする。

　でも、私にとっては、全く聴く気も、演奏する気も起きないサウンドである。

　

Disraeli Gears__Cream

　英国の生んだスーパーバンド　クリームが今から50年前の1967年に2枚目として発表した大ヒットアルバム「カラフル・クリーム (Disraeli Gears)」が今回のテーマ。

　

　クリームは1960年代半ばから1970年代前半に活躍したバンドであり、ビートルズと活動時期はほぼ重なっている。メンバーのエリック・クラプトンは世界中のロック・ファンから神のように崇められているギタリストである（らしい）。彼が使用したストラトキャスター等がオークションに出されると数千万円とかウン億円とかで取引されることもある（らしい）。

　本アルバムと1枚目の「フレッシュ・クリーム (Fresh Cream)」を合わせて聴いてみた。

　正直言って、どーも良いとは思えない。最近テーマとなるバンドは全部好みと合ってませんな。だから、反省の旅なのかもしれないが・・・。ともかく、ブルースを基調としたサウンドと捉えるならば、以前に紹介したオールマン・ブラザーズの方がはるかに自分の好みに合っている。

　クリームとエリック・クラプトンは「どーも、好みに合わん」などと表明すると、「ロック・ギタリストの風上にも置けん」とか言われて暗殺される可能性がある。タンジェリン・ドリームやクラフト・ワークを「好みに合わん」と表明するのと、クリームやローリング・ストーンズを「好みに合わん」と表明するのでは暗殺可能性のレベルが違う。

　15年程前に、クリームの有名曲である「Crossroads」をEGで完全コピーした事がある。結構苦労してコピーしたのだが、余り感動は無かった。はっきり言って曲がつまらんから、コピー演奏していてもつまらんのですな。

　ましてや、こんな有名曲を演奏会なんかの演目にでもしようものなら、間違いがバレバレでプレシャーでフラストレーションが溜まりまくる。しかも、曲がつまらないから、達成感も無い。しかも、多分聴衆にも受けないと思う。素人はライブでクロス・ロードは演目にすべきではないと思う。

　オールマン・ブラザーズ・バンドは好みに合うのに、クリームは何故好みに合わないのか？とちょっと考えてみた。そこで、お馴染みの平塚近傍在住のジャズ・ギタリストに聞いてみたのだが、面白い見解を披露してくれた。

　クリームの曲（代表的なクロス・ロード）は、マイナーペンタ・スケールとメジャー・ペンタ・スケールが交互に出てくるサウンド・パターンの曲が多いらしい。このパターンって、どうも日本人には苦手なサウンドなのではないか？という事である。カントリーウエスタンも同じパターンであるらしい。日本人はマイナーペンタは得意だが、メジャーペンタは苦手なのだ。

　なるほど。さすが、プロのジャズギタリストである。見解の次元と質が違うな。実に論理的だ。

　・・・となると、多くの日本人ロックファン達はクリームのサウンドは好みに合わないはずなのだが、クリームは日本では人気がある。みなさん、本当にクリーム好きですか?形から入ってませんか?オールマン・ブラザーズ・バンドの方が、数段良いと思いませんか?

　

Brain Salad Surgery__Emerson, Lake & Palmer

　前々回、前回とクルクルパー系のプログレッシブ・ロックバンドがテーマだったが、どちらのバンドもキーワードはコンピュータ・サウンドということになる。そこで、ふと思い出した。DAWの事である。

　DAWについては、以前にこのような記事を書いた。それから3年があっという間に経過してしまった。何やかやと忙しくて、せっかく購入したDAWソフトウエアであるCubase7.5は単純なMIDIシーケンサーとしてたまに利用する程度であった。そのような体たらくであるにもかかわらず、新し物好きの性でCubasePro8にバージョン・アップだけは敢行した。ちなみに最新版はCubasePro9であるらしい。

　ともかく、Cubaseはプロの音楽制作現場でも利用されているレベルの高いDAWである。当然、操作はややこしい。ややこしいので、私の能力ではMIDIシーケンサくらいにしか利用できないのである。

　しかし、タンジェリンドリームとクラフトワークをボロカスにけなした手前、最近のコンピュータ音楽事情の認識と多少の反省を込めて再度Cubaseを有効活用しようと考えた。そこで、過去に購入して幾度となく挫折した「活用ハンドブック」を読み返してみたが、著者の書き方がヘタクソ（？）のせいか相変わらず理解できない（下図はCubasePro8の操作画面例）。MIDIシーケンサ以外に何ができるのか？がさっぱりわからない。

　「悲しいなあ・・」と途方に暮れていたところ、急に良い事を思いついた。お馴染みのYouTubeがあるではないか！！こんなややこしいソフトウエアなんだから、きっと操作の説明動画があるはずだ！！　早速"Cubase"で検索したところ、案の定ウジャウジャと動画が見つかったので、良さそうな動画を選定して何本か視聴した訳である。

　視聴して愕然とした。DAWソフトウエアCubaseを活用した最近の音楽制作の現場の進歩は、私の理解を大きく超えていた。CubasePro8でこれだけ凄いのだから、最新バージョンではどんな事になるのか（動画は怖くて視聴できなかった・・・）？いやはや、技術の進歩は驚くばかりである。

　内蔵されているソフトウエア音源のクオリティや充実度、ソフトウエア連携機能等が飛躍的に向上しているのは理解の範囲だったが、びっくらこいたのはオーディオ音源に対する編集機能である。

・　オーディオ音源の音程に狂っている箇所があれば正しいピッチに調整できる。当然、一括でも修正できる。

・　オーディオ音源に対しての最適なハーモニー音源を生成できる。

・　オーディオ音源をマルチバンドでイコライジングして、音の特性を自在に変更できる。

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　等々・・・

　これは凄い。一番難しいボーカルだって、クオリティをどんどん向上させる事ができる。私のようなヘタクソが歌ってもそれなりの楽曲を制作できるということだ。現在の音楽制作の現場は凄い事になっている事を今回初めて知った。読者の中には「そんなの当たり前でしょ」という方も多くいるだろうが、私は全く知らなかった。正直、完全に時代に取り残された気分だ。

　うーん。余りに衝撃的な現状を目の当たりにした今回のテーマははっきり言って適当にならざるを得ない。エマーソン、レイク　アンド　パーマーが1973年に発表した「恐怖の頭脳改革」である。一応、1970年代ロックを探す反省の旅は進んでいるのだ。

　昨年、キースとグレッグは相次いで他界した。71歳と69歳であった。青春を共に過ごした私としてはかなりのショックであった。DAWなんか欠片もないような1970年代に、3人編成で果敢に進歩的なサウンドを追及した事に大いに敬意を表したい。それを言うなら、タンジェリン・ドリームとクラフト・ワークにももっと敬意を払うべきなんだろうな。Cubase8.5で衝撃を受けた直後なので、実に素直である。

　本アルバムはELPの代表作との評価は多いらしいが、楽器演奏技術の追求が強い感じがする。特に、カール・パーマーがやけに張り切っているのだ。また、曲によってはグレッグ・レイクがEギターを弾いて、キース・エマーソンがベースラインを弾くという4ピース形式の演奏もあったりする。これは中々興味深い。ジャズが大好きなキースの趣味で、ところどころにジャズの有名フレーズが組み込まれていたりする。素晴らしい名盤であるが、一家に一枚は必要無いような気がする。

　

　

The Man-Machine__Kraftwerk

　前回の記事でタンジェリンドリームをボロカスに言ってしまったが、もうヤケクソなのでドイツの生んだもう一つの超ビッグロックバンドであるクラフトワークが今回のテーマ。彼らが1978年5月に発表した「人間解体」をじっくりと聴いてみた。

　クラフトワークはロックバンドじゃないのでは？・・・と言う御意見もあろうが、私は大学生の時から”クラフトワークはプログレッシブ・ロックバンドである”と刷り込まれている。私と同世代のロック好きのオッサンはきっと同様だと思う。

　今の若い人達は理解できないかも知れないが、当時の”プログレ何でもあり、やったもん勝ち”的な状況は尋常ではなかった。言葉の定義から考えると「プログレッシブ・ロック＝進歩的なロック」って事だが、斬新でそれまでには無かったようなサウンドはかなりの割合でプログレの範疇に放り込まれた。

　今では絶滅危惧種の烙印を押されてしまったフュージョンだって、当時はクロスオーバーという言葉が定義されるまではプログレに放り込まれていた時期がある。クラッシックぽいのもプログレ、ジャズっぽいのもプログレ、ヒョロヒョロリーピロピロとかいう環境音楽っぽいのもプログレ、ヨーデル歌ってもプログレ、片足立ちでフルート吹いてもプログレ、イエスみたいな正当ロックもプログレ・・・1970年代のプログレッシブ・ロックは何でも有りだったのである。当然であるが、私が魂を込めて聴いたのは正当ロック・プログレだ。

　とはいえ、当時は夢と希望に満ちあふれた若者だった私にとっては、プログレッシブ・ロックのカテゴリは探求しがいのあるサウンド群であったとも言える。

　そこで、今回のクラフトワークである。まず最初に断っておくが、私は坂本龍一氏率いるYMOのサウンドが全くの苦手である。どこが良いのかさっぱりわからない。したがって、クラフトワークの本アルバムも、どこが良いのかさっぱりわからない。とにかく、この手のサウンドの良さが全く理解できない。理解できないし、楽しくも無い。

　下記の写真はネットで紹介されていた最近のクラフトワークのライブの様子である。新型PCのセールスプロモーションだと言っても違和感はない。実に面白い。でも、サウンドは面白くない。

　タンジェリンドリームの時と同様に、クラフトワークのファンに「ロック愛好家の風上にも置けん！！」と罵られながら暗殺されそうだが、今回のアルバムは全くもってもう一度聴こうという気にはなれなかった。早く終了して欲しかった。

　タンジェリンドリームよりは楽しい音楽だとは思う。しかも、1970年当時の貧弱なテクノロジーの中で、このような斬新なコンピュータ的なサウンドを追求した事には敬意を表する。しかし、残念ながら私が愛するロックサウンドとはかけ離れております・・とお伝えするしか無い。

　

　

　

Zeit__Tangerine Dream

　1970年代のロックを探す反省の旅も徐々に方向性を失いつつある。今回はついにタンジェリンドリームにたどり着いた。1972年に発表されたZeitがテーマである。

　ドイツが生んだ驚異のグループであるタンジェリンドリームは私にとっては超鬼門である。名前は良ーく知っている。大学生の頃から良ーく知っている。でも、本音を言うと全く聴きたく無いのだ。しかし、何度も述べているように1970年代ロックを探す反省の旅に出た以上、このグループは避けては通れない。

　ところで、タンジェリンドリームのメンバーの面々はこんな音楽を制作して楽しいのかな？

　絶対に楽しいはずがない・・と私は思う。「ゴボゴボ」とか「キョイーン」とか「ファーン」とか「ヒョー・・・・」とかが延々と続くのだ。それでも、楽しいですか？そうですか・・。

　作るのは多少楽しいかも知れない。しかし、（敢えて問うが・・）タンジェリンドリームを聴くのは楽しいですか？本当に楽しいですか？

　1970年代ならいざ知らず、2017年現在だったらウチの孫でも作れるわ。こんなの。

　タンジェリンドリーム・ファンの皆さんに「ロック愛好家の風上にも置けん！！」と罵られながら暗殺されるかも知らんが、正直言って私はこんなアホなアルバムは二度と聴く気にはなれない。

　これが、Zeitを拷問を受けるような思いで最後まで聴いた率直な感想である。

Thick As a Brick__Jethro Tull

　衆議院議員選挙は与党が大勝し、我が湘南ベルマーレもJ1リーグへの昇格・J2リーグ優勝が決定し実にメデタイ。とはいえ、今節のホーム岡山戦の観戦は前節の10倍きつかった。選手の動きが見えなくなるくらいの豪雨がアホみたいに降りまくる中で、9,000人近くのサポータが優勝決定を見守ったのである。晩秋における雨の湘南BMWスタジアムは地獄だ。でも、赤ちゃんを連れた熱心なサポータも散見された。いやはや、ご苦労様としか言いようがない。

　毎週のように台風に翻弄される日本列島であるが、昨日の土曜日は阿佐ヶ谷ジャズストリートというイベントが開催された。昨年は家から歩いて行けたが、今年は往復3時間以上も列車に乗って見学を敢行した。結構疲れた。

　知人数人がイベントに参加するので、表敬的な見学だったのだが、このイベントはなかなかお買い得である。色々なエリアで繰り広げられるアマチュアのジャズ演奏は基本は無料である。その割にはレベルが高い。実に勉強になるのだ。

　とにかく、それぞれのバンドはアマチュアのくせに結構上手なのだ。舞台裏の話を聞くとソロ楽器奏者はプロもしくはセミプロみたいな人も参加しているようだが、管楽器の演奏クオリティが高い。ギター系はそれほどではない。関係者には早稲田ジャズ研究会のOBの方が多い。地域の特性なのだろう。

　やはり、中央線沿線はこういう面白い文化があって良いですね。平塚はスケベ文化とギャンブル文化が幅を効かせている地域なので随分雰囲気が異なる。でも、平塚には湘南ベルマーレがある。平塚市民はスケベ文化とギャンブル文化を相殺できる湘南ベルマーレにもう少し敬意を払うべきなのだ。

　サッカー観戦疲れで支離滅裂な内容になってきたが、今回のテーマは相変わらずブリティッシュ・ロック関係である。

　孤高の訳わからない系ロック・バンドのジェスロ・タルが1972年に発表したヒットアルバム「ジェラルドの汚れ無き世界（Thick As a Brick）」が今回のテーマ。ジェスロ・タルは非常に重要なプログレッシブ・ロック・バンドであることには異論はない。しかし、ほとんど名前しか知らんのだ。1970年プログレッシブ・ロックの鬼なのにね。

　1970年代プログレッシブ・ロック・バンドのサウンドはユニーク・・と言うかヘンテコリンなのが多いが、ジェスロ・タルもご多分に漏れずロックという観点から考えると相当に特異なサウンドだ。

　まず、フルートが出てくるというのに度肝を抜かれる。しかも、アクセントではなくてメイン楽器がフルートなのだ。ヨーデルを多用するフォーカスよりはマシだが、フルートがメインって・・・ちょっと違和感が強すぎる。フルートはロックじゃなくて、ジャズ、ボサノバ、クラシックで活躍すべきである。

　さてジェスロ・タルである。フルートがメインである。奏者のイアン・アンダーソンは片足を上げながらフルートを吹いたりする。凄いですね。「狂気のフラミンゴ」と呼ばれる事もあったそうだ。なんじゃ、これは・・。

　日本では一般的な知名度は低いが、熱狂的なファンは存在しているらしい。ただ、正直言ってどこが良いのかさっぱりわからん。

　

Hot Rocks 1964–1971__The Rolling Stones

　本日のサッカー観戦はキツかった。湘南ＢＭＷスタジアムは屋根は高級席の上にしか設置されていないから、私のような貧乏人は冷たい雨に3時間近く打ちのめされるのだ。我ながら酔狂だな・・とは思う。普通の人はさすがに本日は観戦は避けるわな（添付写真参照）。ヘタをすると体調を悪くする恐れもある。とはいえ、何とか勝利して昇格決定にリーチがかかったので、無理してでも観戦に出かけた甲斐もあったというものである。

　　さてディープ・パープル、レッド・ツェッペリンと70年代を代表するブリティッシュ・ロック・バンドについて言及してきたが、今回の記事は私にとって大きな課題であるローリング・ストーンズである。
　ローリング・ストーズはビートルズと並ぶ超スーパー・バンドである。しかし、私はほぼ聴いたことがないのだ。「ブラウン・シュガー」、「ジャンピング・ジャック・フラッシュ」、「アンジー」くらいはヒット曲として知っているが、大体真面目に聴こうと思った事が無い。
　これほどの超スーパー・バンドを「聴こうと思った事が無い」なんて書くと、非難のレスポンスが舞い込みそうだ。しかし、聴いたことがないのだからしょうが無いのだ。
　まず、ミック・ジャガーの口がデカすぎて、生理的にビジュアルが合わない・・というのが理由としてある。エアロスミスと同じですね。これは大きな障害であることは間違いない。
　しかし、「ミックの口が大きくて聴かなかったの・・・」なんて可愛く言っても誰も許してくれないとは思う。そこで、ネットで色々と彼らに対する情報を調べ万全の体制を整えた状態で、彼らの大ヒットアルバムかつベスト・アルバムである「Hot Rocks 1964–1971」を聴いた訳である。
　このアルバムは2枚組で全21曲。真面目にじっくりと聴いてみた。「悪魔を憐れむ歌」を”信じられないほどの傑作”と絶賛する情報もあったので、とにかくじっくりと聴いてみた。
　結果は予想通りだった。残念ながら触発されものは無し。どうも、口の大きな人がボーカルのバンドのサウンドは合わないようだ。
　
　

Presence__Led Zeppline

　今節のサッカーJリーグの目玉試合は、湘南ベルマーレVS名古屋グランパスエイトの一戦だろう。しかし、2－3で負けてしまった。うーん。相手の必死さが勝っていたのだろうなあ・・・。トヨタの社長さんまで応援に来たらしいから、そりゃ選手は必死になるわな。元々、名古屋は湘南の二倍以上の人件費かけてるし・・・。悔しいが、仕方が無い。次節ホームゲームでの昇格を期したい。

　甚だ気分が悪い今回は、前回のディープ・パープル関連記事流れでレッド・ツェッペリンがテーマ。前回の記事で、「ツェッペリンは黙っていても売れる」と書いたが、実際に主なアルバムがどのくらい売れたのかネットで調べてみた。下記がその結果である。

・Led Zeppeline Ⅰ　⇒　全米800万枚売り上げ

・Led Zeppeline Ⅱ　⇒　全米1,300万枚売り上げ

・Led Zeppeline Ⅲ　⇒　全米650万枚売り上げ

・Led Zeppeline Ⅳ　⇒　全米2,320万枚売り上げ

・House of the Holy　⇒　全米1,200万枚売り上げ

・Pyhsical Graffiti　⇒　全米1,630万枚売り上げ

・Presence　⇒　全米350万枚売り上げ

・In through the out door　⇒　全米650万枚売り上げ

　凄い売れてますね。初めて知った。これだけ売れれば、一生遊んで暮らせるのだろうなあ・・。良いなあ。

　ツェッペリンのアルバムを聴いたのはⅣが最初だったはずだが、ギターが「オーバーダビング」されていた事にかなりの違和感を持ったように記憶している。オーバーダビングは悪いことではないが、個人的なハードロックのイメージと余り合わなかったんですな。

　しかも、Ⅳはアコースティックな曲も幾つかあり好みと違った。”天国への階段”も好みと違った。・・・という感じで、第2期ディープ・パープルにのめり込んだような気がする。

　今回のテーマの「Presence」は最も好きなアルバムだが、上記の売り上げで見ると最も売れていない。「最も好きなアルバム＝最も売れていないアルバム」ということを考えても、ツェッペリンの商業的な方向性と私の好みはズレているのだろう。

FireBall__Deep Purple

　ブリティシュハードロック分野では、日本においてはレッド・ツェッペリンとディープ・パープルは人気を二分する。レコード等のセールスはローリング・ストーンズも足元にも及ばないくらい突出しているらしい。

　そのように日本では圧倒的な人気のパープルとツェッペリンであるが、かなりバンド・キャラクターが異なる。個人評価は下記のような感じ。

●ディープ・パープル

　バンドがグチャグチャしている。とりわけ人間関係は不安定で、メンバーの出入りが多すぎる。キーマンギタリストのリッチー・ブラックモアは技巧派だが何だかおかしい。他のメンバーも技巧派だが何だかおかしい。

　サウンド・コンセプトもあっち行ったり、こっち行ったりで疲れる。「売れた、売れない」がメンバーの最重要テーマ・・・という印象が強い。

●レッド・ツェッペリン

　バンドがすっきりしている。とりわけ人間関係は良好らしくオリジナルメンバーのみで完結した。キーマンギタリストのジミー・ペイジは技巧派ではないがアイディア豊富で崇高な感じ。他のメンバーは技巧派で崇高な感じ。

　サウンド・コンセプトはリフに命を懸けたハードロック一筋だが、アコースティックサウンドも上手に活用する。「黙っていても売れる」のでメンバーはおっとりしている・・・という印象が強い。

　

　上記のように個人評価ではツェッペリン圧勝・・・のように映るが、私は高校の時から圧倒的にパープル大好き人間である。今回はそれについて色々と考えてみたい。

　考えるにあたって、せっかくなのでパープルの主要アルバムをもう一度聴いてみたのである。実は他のパープルファンからは怒られそうだが、私にとってはパープルは”第２期Deep Purple＋α”なのだ。つまり、第２期以外はほとんど興味ないのである。ちなみにαは”Burn”と”Stombringer”の2曲。

　他のパープルファンから怒られそうなので、第２期以外の個人的な見解を以下にまとめておく。

・第1期　⇒　私が洋楽に興味持つ前の時期に活動していたので良く知らん。クラッシックテイストは理解不能。

・第3期　⇒　交代メンバー（ディビット・カヴァーデル、グレン・ヒューズ）の趣味がソウルやらファンキー系とか訳わからん。そりゃ、リッチーオヤジも嫌気がさすわな。

・第4期　⇒　ギタリストとしてトミー・ボーリン（唯一の米国人）が加入し、当時は「オー！！！」と思ったが、トラブル続きの上に直ぐ解散して白けた。

・第5期~第7.5期　⇒　バンド構造がややこし過ぎて良くわからん。

・第8期　⇒　超技巧派ギタリストのスティーブ・モーズが加入し、当時は「オー！！！」と思ったが、既に中間管理職になっておりパープルどころでなく良くわからん。

・第9期~現在　⇒　ジョン・ロードがジジイになって脱退した。ただ、私の仕事がハチャメチャでパープルどころではなく良くわからん。

　・・という事で、ディープ・パープルは第2期のみ語れば良い。ポイントはベースのロジャー・グローバである。ドラムスのイアン・ペースとのリズム・セクションは余りにも凄い。本記事のテーマになっているアルバム曲の”FireBall”、その他有名曲の全てで恐ろしいほどのサウンドを聴かせる。個人的にはこの二人とイアン・ギランのウルトラ・ハイトーンボーカルがディープ・パープルなのだ。ロジャー・グローバ―をクビにしたリッチーはおかしい人物・・・と私は思う。